時間：2022-11-13 17:52:44
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從音樂藝術管理“內涵式”發展的構成要素上看，目標整合、特色定位、質量提升和大學經營為音樂藝術管理“內涵式”發展的基本要素；構建品牌、現代化管理、文化建設、戰略經營為音樂藝術管理“內涵式”發展的發展要素。無論是基本要素還是發展要素，各種要素直接相互支撐，共同致力于整體的發展。其中，基本要素中的目標整合和大學經營互為依存，形成基本發展循環機制。而整個高校的可持續發展以這些要素和要素之間的作用為基礎，反過來又強化了要素的功能，從而實現音樂藝術管理更高層次發展。
二、當前音樂藝術管理存在的問題分析
當前，音樂藝術管理的現狀不容樂觀，還存在著諸多亟待解決的問題，這些問題主要表現在四個方面，分別是音樂藝術管理的學科定位不明、音樂藝術管理課程設置不合理、音樂藝術管理的管理方式落后和音樂藝術管理的人才培養弱化，其具體內容如下：
1.音樂藝術管理的學科定位不明音樂藝術管理的學科定位不明是當前音樂藝術管理存在的問題之一。近年來，隨著中國文化事業的不斷繁榮發展，音樂藝術管理發展的速度也較快，市場對文化藝術管理專業人才的需求激增，但由于藝術管理專業在我國處于起步階段，對音樂藝術管理專業的學科定位不明，導致培養目標寬泛、市場針對性不強，直接影響到學生的就業問題。加之藝術活動的發展趨于“跨界”和“綜合”，使得人才培養與市場需求難于接軌的矛盾日益突出，迫切需要明確定位音樂藝術管理專業的學科屬性。
2.音樂藝術管理課程設置不合理音樂藝術管理課程設置不合理也在一定程度上制約著當前音樂藝術管理的發展。就目前而言，音樂藝術管理專業在課程設置上仍缺乏系統性，音樂藝術類課程設置比例偏低，不能較好地體現音樂因數管理的核心專業能力，也不能很好地處理藝術與管理的關系，現有的音樂藝術管理課程設置不合理的現象還較為突出，沒有針對音樂藝術管理專業人才的培養計劃，各門課程之間的內在邏輯關系較為混亂，使得音樂藝術管理的知識結構不夠完善，這都是由于音樂藝術管理課程設置不合理造成的。
3.音樂藝術管理的管理方式落后音樂藝術管理的管理方式落后是當前音樂藝術管理的瓶頸。音樂藝術管理的管理方式落后主要表現在兩個方面，首先是部分高校在招生工作中存在著一定的問題，“寬進寬出”的現象就是其中之一。由于每年的考生數量有限，而高校又在不斷地擴招，一些高校不惜降低招生標準來完成招生計劃。其次，由于音樂藝術管理的經營管理方式落后，市場意識淡薄，表現出較強的商業性和短期性意識，也不同程度地影響著音樂藝術管理專業的發展。
4.音樂藝術管理的人才培養弱化音樂藝術管理的人才培養弱化使得當前音樂藝術管理陷入困境。目前，音樂藝術管理專業的教育內容、方式及人才培養方案還不成熟，一些音樂專業院校在學生大量涌入的狀況下，校舍、器械和師資的投入嚴重不足。原本一次性完成的課程，現在由于學生數量的激增，被迫分為兩個或多個組，成倍地加大了教師的教學任務；學生每天應付出大量的時間在琴房和實踐場所進行練習和實踐，但擴招后場地不夠、師資不足等原因使之無法正常開展下去。加之經費少、教師待遇低，一些院校的音樂專業很難引進或留住高學歷、高職稱的專業人才，而師資培訓因經費短缺也難以正常開展，造成了師資隊伍職稱結構低、專業及教學水平持續下滑的現象。
三、音樂藝術管理“內涵式”發展的策略
為進一步提高音樂藝術管理水平，在了解音樂藝術管理的構成要素和當前音樂藝術管理存在的問題的基礎上，音樂藝術管理“內涵式”發展的策略，可以從以下幾個方面入手，下文將逐一進行分析：
1.明確定位音樂藝術管理專業明確定位音樂藝術管理專業是當前音樂藝術管理“內涵式”發展的關鍵。要想在全國同類院校中彰顯特色和優勢，明確定位音樂藝術管理專業，使學生清楚畢業后可從事廣告主管、經紀人、業務經理、音樂出版商、職業經理人和專業管理者等職業。在明確定位音樂藝術管理專業的過程中，對音樂藝術管理進行市場定位和特色打造，走差異化發展道路，必須在兩方面上下工夫：一是理論上，二是在實踐上。音樂藝術管理專業的理論定位，通過聘請國、內外（包括院內）專家、引進新的教材（中、外文，特別是外文教材）、雙語課程、選送教師出國深造等，通過系統學習藝術管理理論知識，加強對音樂藝術管理專業的學術研究。實踐性教學對于應用性強的藝術管理專業來說至關重要。在專業實踐教學上，音樂藝術管理專業應注重理論聯系實際的教學策略，如在實際演出項目和財物資源有限的情況下建立實踐基地。與此同時，引導學生在社會實踐中深化對知識的理解，了解市場，拓寬思路，可以為學生畢業后走向社會，走上工作崗位創造條件。
2.合理設置音樂藝術管理課程合理設置音樂藝術管理課程是音樂藝術管理“內涵式”發展的重要內容。對音樂藝術管理課程設置而言，要借鑒其他院校的教學大綱、教學計劃，理順各門課程之間的內在邏輯，完善課程體系，注重知識整體性，構建藝術與管理相融合的課程體系，使學生掌握更多音樂藝術知識。具體說來，一方面應適當增加音樂藝術類課程設置比例，使學生掌握更多音樂藝術知識。另一方面，應鞏固、加強已有的中心主干課程，如《藝術管理學》《藝術市場營銷學》《項目策劃與運作》等。此外，還應增加與中心主干課程、藝術實踐活動相配套的課程，《消費者行為學》可作為對目前《市場營銷學》課程的補充；《藝術管理原理與實踐》，可以作為《藝術管理學》的延伸課程和《藝術管理實務》的先導課程等。
3.適時優化音樂藝術管理方式適時優化音樂藝術管理方式對音樂藝術管理“內涵式”發展也至關重要。音樂藝術管理在管理方式上的變革，應致力于打造“精管理、重藝術”的一流藝術管理專業隊伍。在內涵式發展階段要實現這一目標，我們需要重點解決兩個基本問題，一是確保選拔出一流的學生；二是確保為一流學生實施教育的優秀教師。前者要求我們完善招生制度，后者需要我們完善教師隊伍，特別是它的梯隊建設。為推動音樂藝術管理“內涵式”發展，學校招生時應嚴把質量關，嚴格執行招生標準，并根據學校的實際情況擬定招生計劃。在完善音樂藝術管理專業教師隊伍建設方面，要多給教師提供培訓、進修、訪學的機會，提高音樂藝術管理專業教師的專業素質，促進音樂藝術管理專業教學現代化的實現。
4.加大培養音樂藝術管理人才加大培養音樂藝術管理人才在音樂藝術管理“內涵式”發展中的作用也不容忽視。縱觀音樂藝術管理的發展，藝術管理系的專業教育現已初具規模，目前基本上形成了“藝術管理（包括管理）”與“音樂理論”為基礎的兩大獨立教學塊，兩者的結合支撐著藝術管理專業的發展。“音樂理論”提供強大的以音樂學為主的課程教育；而“藝術管理”提供管理學的一般理論及藝術管理兩個層面的課程教育。在音樂藝術管理的“內涵式”發展階段，我們進一步所要做的工作是加強音樂學與藝術管理學科間的緊密聯系，加大校舍、器械和師資的投入，引進或留住高學歷、高職稱的專業人才，加大培養音樂藝術管理人才，如采取校內校外多方面人員合作的形式，讓學生直接學到社會實踐中的許多實務性知識，對于促進音樂藝術管理人才的培養無疑是大有裨益的。
四、結語
小學班主任管理語言藝術的運用，需要講求一定的方法，以保證語言運用的有效性與真實性。
1．語言要真實幽默，保持課堂氣氛的活躍性
小學班主任在對待學生的時候，最主要的就是真誠，爭取能夠與學生成為彼此信賴的朋友。要拉近學生與教師之間心與心的距離，首先教師就要加強與學生的溝通，在這一過程中需要注意的是，教師要保持幽默風趣，始終讓課堂氣氛保持著活躍，讓學生覺得教師很平易近人，和藹可親，這樣學生才愿意與教師溝通，班級管理才能夠取得最佳的效果。例如，課堂上兩個學生發生了爭執，班主任看著這兩個學生沒有說話，當時的氣氛非常緊張，過了一小會，班主任說了一句：“不玩拉倒，沒你更好。”這句話一出，課堂上所有學生都笑了，課堂氣氛瞬間的和諧，之后班主任與這兩個學生進行了交談，并通過協調，很好地處理了他們兩個之間的矛盾。
2．注重差異
班主任在管理的過程中需要注意言之有別，由于每位學生的興趣與自身的特點不同，就需要教師要采用不同的管理語言與學生進行溝通，以保證有效性。例如，對于那些性格比較內向的學生，班主任要了解學生，要明白，這樣的學生很難接受班主任的批評，尤其在眾多的學生面前進行批評。那么班主任就要平靜地與學生溝通，并且要保持和氣的語言，注意語言的婉轉，這樣內向的學生才能夠更容易接受班主任話語，并認識到自己的錯誤。而對于那些比較外向的、性格剛烈的學生，班主任一定不要用過激的語言去刺激學生，避免這樣的學生從內心反感班主任的講話，并對班主任產生抵觸的心理。另外，還有一些學生自卑感比較強，對待這樣的學生，班主任要少一些批評，給予他們更多的鼓勵與表揚，讓他們在班主任的肯定之下，樹立起自信心，從而得到更好的發展。也有一些小學生自以為是，覺得自己很強，目中無人，那么對這樣的學生教師要直接點出他們的缺點，用激烈的言辭去激發他們，讓他們通過自我反省清醒地認識到自身的不足，并在教師的引導之下進行改正。總而言之，班主任在對班級進行管理的過程中，一定要注意管理的語言藝術，提高自己的語言運用水平，以免在管理的過程中傷害到學生。
二、結束語
以知識為基礎的企業競爭優勢主要區別于傳統的資本優勢、資源優勢、區位優勢等。由于大批網絡（IT）企業在短時間內創造了傳統企業幾代人才能創造的財富，知識經濟成為IT經濟的專利。其實，知識經濟的動力是掌握知識的員工，知識員工才是企業最重要的財富資源。知識員工對企業財富貢獻不限于IT企業，包括不同行業的大小企業要在知識經濟時代立足，就不得不關注如何認識、培養、領導和管理知識員工的問題。
“知識員工是那些創造財富時用腦多于用手的人們。他們通過自己的創意、分析、判斷、綜合、設計給產品帶來附加值”。
辛考茨基（Dzinkowski 1999）把知識員工看作智力資本，包括他們的版權、研究成果、運作良好的數據庫、品牌忠誠等。知識工作也叫智慧資本，它的創造過程很大程度上是依賴于知識員工的專業判斷、主動性和創意等，因此，知識工作的性質有復雜性、不明朗、不肯定而且風險高等特征。這樣的工作性質根本無法按照傳統企業的組織方式，把工作切塊由相關部門按照工作慣例來完成。所以，知識員工的管理給傳統的結構化組織管理帶來了空前的挑戰，同時也給企業的各層次管理帶來了新的問題。因為，在傳統的組織管理體系中員工被假設為一個被動的執行者，管理就是對執行者分配任務和考評，這樣一來，員工的創造性就難以發揮，知識員工就難以創造價值。要發揮知識員工的價值創造就必須變革傳統的管理方式。
知識員工管理的新挑戰源自知識工作的特殊性，主要包括三個方面：知識員工的流動性、工作環境的不確定性、成果的無形性。知識員工管理區別于一般工作的企業管理主要是由這三個方面的屬性所引起。
一、知識員工的流動性
管理咨詢公司安達信在一份研究報告中指出，知識員工忠于他們的職業多于所服務的企業。
戴維尤里科（David Ulrich 1998）教授認為，具有高度智慧資產的員工（高層次的知識員工）實際上是一種義工，這不是說他們的工作不需要報酬，而是說您所聘用的工作并不是他們的主業或者說他們同時有好幾份這樣的主業----這就是流動性。他們留在一家公司服務并不是他們的“需要”而是他們的一種“選擇”，即選擇一家有利于發揮他們專業知識的企業工作。但是，正是這樣一種流動性適合知識領域中復雜的專業工作性質。
面對知識員工的流動性問題，我們的不少企業常常為留住員工和避免知識資本的流失而憂慮。企業通常采取的措施是：通過提高薪酬、晉升機會和工作挑戰性來建立知識員工對企業的忠心。這些方法對企業來說短時間內有效，但時間一長就變得是一種負擔。
二、工作環境的不確定性
知識員工之所以流動性大與他們這種工作環境不確定性有關，道理很簡單，既然哪里都可以工作，他們就難免會到一個更好的工作環境中工作，有可能的話他們會身兼數職。這樣就導致知識員工實際上很少依賴管理層的領導，相反，如果員工之間存在技術上的互補的話，這倒會讓知識員工產生一種依賴感，因為知識工作很少可以由一個人獨立完成。而他們通過相互交流可以產生協作，協作就會形成團隊，比他們的獨立工作更有效的多。這就給知識員工的管理留下了一定的空間。由于員工之間的相到信任對知識員工的工作滿意度有著密切的關系，企業的管理可以在改善公司的人際關系方面下大的功夫。
也有些公司是從管理上進行改善，制定“電子管理上班簇”的方法。在享受電子上班的自由之前，對員工進行嚴格的電子上班前教育，包括如何與公司溝通、維護企業的利益、保密制度等；還有一些企業引入外判合同制員工（Interim Management IM）管理方法，將員工的資料錄入電腦管理系統，按照每一項工作的不同性質尋找合適的人選，訂立清晰的IM工作范圍和評價標準。這些方法都在某一程度上緩解了知識員工工作環境不確定性的問題。但是，知識員工電子化工作方式所帶來的有效管理問題仍然存在。
三、工作產出的無形性
知識工作產出的無形性我們可以從以下三個不同層次來談：
1、知識的不同信息。信息是零碎的，但是如果我們從中提升了一些抽象的看法，那么這些看法就是知識；
2、知識是指方法；
3、知識是指主意/想法。
無論是抽象、方法、主意，都是無形的成份居多。知識員工工作的無形性表現在：對這些無形看法、方法、主意的產生、存儲和傳播，并在產生、存儲和傳播過程中增值和產生企業經濟效益和社會效益。因此，知識員工的價值創造過程也是無形的。知識產出的無形性導致無法用傳統的計劃和考評方式進行管理。
藝術管理與藝術創意同屬于人類社會文化活動中的重要現象，近年來對 現當代文化建設與藝術產業的發展產生了不可替代的作用。藝術管理與藝術創意有著緊密的聯系，也有著一定的區別，二者共同作用下產生的創意生活產業正在影響著人們的生活。
1、 藝術管理含義
藝術管理是人類運用藝術學、管理學的理論對于藝術活動實施管理的行為。其內容十分豐富，涵蓋了不同領域的知識，包括政治、經濟、科技、文化等等，是一門綜合性非常強的學科。藝術管理的發展是隨著藝術的發展而發展的，人類的藝術管理活動是一個由低級到高級，從無序到有序的發展過程。隨著人類社會藝術活動產生，自先秦開始，詩歌、繪畫、音樂、舞蹈及其他藝術活動的出現，藝術管理活動就已形成，但從實質上講，那時對藝術的管理還處于政治的手段進行管理，藝術自身的管理也多從屬于政治。
例如，季札觀樂，孔子刪詩，師曠審音，也都是按照政治標準來管理藝術的。到了唐宋時期，盛世到來，政治、經濟、文化達到中國歷史的一個頂峰，這一時期的藝術管理，不再為政治服務，更多的是走向民間，走向市場化。到了近現代社會，在近代管理科學的影響與促動下，人們對于藝術活動實施有序的和有為的管理，并且逐步成了科學的藝術管理理論與管理體系。包括藝術展演、影視播映等藝術活動，這類文化活動滿足了人民日益增長的精神文化需求，提高了全社會的人員的人文素質、豐富其精神生活，從而為社會的和諧、向上和健康發展提供一些支持。
2、 藝術創意的含義及發展
藝術創意是指人們在藝術或其他活動中創造新穎的藝術意象與意蘊的行為。狹義的藝術創意，即指在一般藝術活動中的創意行為，廣義的藝術創意則是在其他社會活動中融入藝術創意的因素，并以藝術創意的精神予以運作的行為。藝術創意從屬于一般文化創意，但又不同于一般的創意。通常的創意，即指文化創意，一般既包括藝術創意，也包括經濟創意、科技創意等，但經濟創意、科技創意又通常是與藝術創意共同交織而發揮作用的，其中藝術創意往往起到核心的作用。
3、 藝術管理與藝術創意的聯系
作為新興的學科體系，藝術管理學與藝術創意有著緊密的聯系，在理論層面，藝術管理與藝術創意均具有深厚的理論淵源與積累，成為具有新興學科的理論框架與體系; 在社會實踐層面，二者都具有應用與實踐的特色，直接服務于社會文化建設和人民生活; 在其學科與專業建設的層面上，無論是發展歷史悠久的藝術管理，還是處于建設階段的藝術創意，均顯現出學科與專業建設的廣闊前景。藝術管理和藝術創意都是人們在藝術活動或其他活動中智慧與才能的充分發揮，它不僅對于藝術活動及其產品不斷創新與提升，而且對于藝術生產力的提高具有重要的意義和作用。
創意生活產業就是兩者相互區別，相互交融，相互促進的產物，在當代經濟發展和文化建設中凸現出重要的地位和作用。創意生活產業，源自藝術管理、藝術創意和文化積累，以創新的經營方式提供食、衣、住、行、育、樂各領域有用的商品或服務，提供具有深度體驗及高質美感的產業。極大地豐富和滿足了人們的物質文化需求和精神文化需求。
前段時間在微博上火極一時的“黃太吉煎餅果子”，改寫了傳統美食的新傳奇，用新思維，新模式，打造出了中國新式快餐，也是藝術管理和藝術創意的作用下誕生的一個創意生活產業的典型。不僅在口味上盡可能地滿足食客的需求，除煎餅果子外，還有現磨豆漿，鹵汁豆腐腦、秘制豬蹄、麻辣燙、四川涼面等，其多元化的也最大限度的滿足食客的味蕾，從而吸引更多的消費者。另外，其“別具匠心”的營銷模式，應該是成功的關鍵，不論是裝修布局( 采 用港式茶餐廳和西式咖啡廳的風格) ，還是店里的標語“在這里吃煎餅、喝豆腐腦思考人生”“所有的漢堡、比薩都是紙老虎”“小生意、大志向”這些別有用心的創意都迎合了現代消費者的心理需求。同時利用現代化媒體微信、微博、陌陌等跨界宣傳讓傳統美食煥生新容。
在當代社會主義精神文明建設中，深入研究藝術管理與藝術創意的特點及其相互聯系，對于推進藝術管理與藝術創意活動的深入，以及藝術管理學與藝術創意學的不斷成熟，乃至促進當代社會文化建設及其繁榮，均具有重要的意義。單一的藝術活動形式已越來越不能滿足人們的精神追求，多元化、多樣性的藝術文化符合現代人快節奏的生活方式和創新理念，從而越來越被人們所接受和推崇。例如芭蕾舞與魔術的結合，一個唯美浪漫，一個神秘傳奇，傳統鋼琴演奏和喜劇表演，一個陽春白雪，一個下里巴人，他們的結合使舞臺效果耳目一新，帶給觀眾全新的藝術體驗。
4、 當代社會如何發展藝術管理和藝術創意
藝術管理與藝術創意推進藝術建設與發展、提高了藝術活動的社會效益與經濟效益、提升了人民大眾的文化藝術素質，促進了人才的全面發展和創新。如何有效的發展這一新興的學科，我認為從以下幾方面開展:
首先，注重人才培養，藝術管理和藝術創意的研究和開展需要具備廣博的文化知識，通曉各個藝術門類的專業知識，掌握某種藝術技能，了解不同門類藝術基礎知識，還要有較強的藝術感受力、理解力、洞察力、欣賞力、邏輯思維能力等綜合素養，唯此才能促進藝術管理理論的縱橫發展。因此，需要大力加強學生的專業知識的培養，同時使其了解不同門類藝術的基礎知識、文史哲知識，開闊視野，才能有針對性地推出相應的藝術作品。
同時，鼓勵社會各界尤其是在從事藝術活動、產品制造、品牌推廣、營銷和零售方面的勞動人民，在實踐活動中，充分發揮其聰明才智和藝術創意，將各類藝術的形式與現實生活相結合，創造更多具有新意，具有競爭力的產品，使藝術管理和藝術創意，不僅推動社會主義精神文化建設，而且推動現代社會經濟建設。其次，注重發展我國的優秀文化傳統，中國擁有五千多年的悠久文化，擁有豐富的文化資源，然而在全球化的過程中，中國文化面臨著巨大的挑戰。
作為炎黃子孫，發展中國文化是我們每一個人義不容辭的責任，隨著時代的發展，中西文化交流的密切，許多外來文化、藝術形式視乎顛覆了中國傳統的文化內涵。再次，培養創新意識，創新意識是人們根據社會和個體生活發展的需要，引起創造前所未有的事物或觀念的動機，并在創造活動中表現出的意向、愿望和設想。它是人類意識活動中的一種積極的、富有成果性的表現形式，是人們進行創造活動的出發點和內在動力。藝術管理和藝術創意專業的大學生，創新意識的培養，尤其重要，它直觀地體現在藝術教育的作用和功能上。創新意識既是藝術管理和藝術創意的途徑又是藝術管理的目的。
因此，要想發展我們的文化藝術，應該從小抓起，將藝術管理和藝術創意滲透到中小學等各階段的教學中，從小樹立藝術創意的意識，將來為社會主義經濟建設做出更大貢獻。
參考文獻:
關鍵詞藝術意義藝術家藝術作品藝術活動
談到藝術，我們毫不猶豫地可以說出一系列藝術作品，同時我們可以舉出無數的藝術家。但是，當我們真正追問是什么使他們（它們）成為藝術家和藝術作品的問題，藝術的內在本質究竟是什么時，我們又變得茫然起來。藝術是什么？對于此，前人已經提出了各種各樣的回答，而且接著他們的思考，我們仍可以繼續回答下去。在前人已經提出的所有解釋中，任何一種解釋都不是沒有道理，但是任何一種解釋也并不是有道理，我們即使將所有的解釋加在一起也還無法說明什么是藝術。
“藝術是什么？”這一藝術定義問題本身作為一個傳統的形而上學的命題，與“美”的定義等問題一道，在西方現當代美學尤其是英美分析哲學美學中成為一個主要的問題，并且已被認為是一個沒有實體的自我循環的假命題而多被詬病。此前從狄爾泰已經開始對藝術的本體問題不作追尋，他的探討退出了本體問題而討論藝術的意義。他認為藝術在上下文中才有意義；藝術在特定的歷史中才有意義；藝術在人們的興趣（關注）中才有意義，因此不存在沒有前提（先決條件）的藝術。分析哲學的先驅喬治·E·摩爾認為，“美”不是一個自然客體，故不能采用像自然科學下定義的方式來加以界定，而只能采用直覺來把握；早期維特根斯坦也認為美屬于不可言說的東西，對不可言說的東西，人們只能保持沉默。著名分析哲學家艾耶爾則斷定，由于美學的命題基本上沒有實指，所以都是“妄命題”。因此，美國美學家莫里斯·韋茲和肯尼克，都根本否定給藝術下定義的做法，宣稱藝術是不可定義的。所以，在這些理論來看，藝術什么也不是，什么都不是的就是藝術，藝術的本體在它的賓詞后沒有成立的可能性。
但是這種沒有可能的可能性，恰恰是我們思考的起點。對藝術的本質問題的追問的不可置否性，在現代藝術中顯示的最大意義，就在于它顯示著并不具有實體的藝術，也就是這種無有的存在，如何在人的心靈中變現為實體的藝術活動、藝術家和藝術作品。很顯然，面對“什么是藝術”這類問題，我們并不是要放棄對藝術的追問，而是要改變這種本質主義的追問方式，必須首先思考藝術之為藝術的心靈特質，放在對人的藝術活動的考察上，使我們的思考直接從“什么是藝術”的問題前的問題開始。通過藝術活動的分析，進而從藝術作品、藝術家、藝術接受等所有的藝術活動的相互關系，也就是藝術與心靈的關系中去尋求藝術的意義。
一、藝術和藝術作品
探討藝術問題，通常我們首先從分析藝術作品入手。根據經驗，我們很容易判斷出藝術品與非藝術品，我們在聆聽音樂、欣賞繪畫、閱讀小說、觀看舞蹈等藝術活動中，不假思索地認為它們都是藝術品，而且我們會有意識地去評判它們的藝術水平的高低。但問題也就隨之產生了，我們憑什么說它是藝術品或是非藝術品，如果作為藝術品，它們的水平高下是如何確定的，我們判斷的基準在于什么，也就是說，藝術作品是什么？這個問題的內在含義也就是，在我們所面對的眾多物品面前，如何判斷哪個是藝術品，藝術品符合什么條件才能被稱為藝術品，我們怎樣確定藝術品的水準的高低。顯然，我們通常的判斷是建立在對作為藝術品的基本構成的涵義的理解上，這種判斷在我們當下的話語系統中是有效的，比如在特定的時限或氛圍中，可是一旦超出這個范圍，問題可能會變得復雜起來。究其實，我們對藝術品和非藝術品的追問，回到根本上也就是對藝術問題的追問。因為我們在劃分藝術品和非藝術品時，我們已經存有了藝術的觀念在指導著我們這樣做，不管這種觀念是有意識還是無意識地支配著我們。這就是說，我們對藝術品本身的追問，也就隱含著對藝術問題的追問。所以，探討何為藝術作品的問題，實際上也就成了藝術探討的奠基性問題。但這一探究從一開始就顯得困難重重，問題遍布。
自柏拉圖、亞里士多德開始的藝術“模仿說”是雄霸西方千年的藝術理論，模仿說被作為經典的藝術理論在東西方產生了極大的影響，但實際上這一理論是直接以藝術作品為邏輯起點來探討藝術的。柏拉圖認為，世界的本質是理念，現實世界是對理念世界的模仿，作為藝術的藝術品又是對現實世界的模仿，這種模仿也就是不真實的、虛幻的。另一位哲人亞里士多德則肯定了現實世界的真實性，因而也就肯定了模仿它的藝術的真實性。后來古羅馬美學家賀拉斯也繼承了藝術模仿說，直到17世紀，古典主義藝術家們還提出了“藝術模仿自然”的原則，以再現現實為宗旨的現實主義文藝可以說是模仿說的最高發展階段。雖然，隨著西方現代藝術的崛起，在各種全新觀念的沖擊下，這一理論遭受嚴重的挑戰而變得如此不堪，但在我國當代的一些僵化和陳舊的藝術理論中還有極大的市場，以一種變形了的“反映論”藝術觀的面目出現。這一理論探討的是藝術的本質問題，但實際上卻是從藝術作品的問題開始的，分析了藝術作品和自然、理念、事物的關系。模仿說把藝術與現實世界聯系在一起，把藝術看成是再現和認識世界的一種特殊的方式，從藝術作品產生的源泉來把握藝術本質。然而，其根本問題在于，一方面它把藝術局限于“模仿”世界的認識論范圍；另一方面，它忽視了藝術創造的主體性。根本的問題也就在于把對藝術的探討以藝術作品為邏輯起點，這樣自然就把藝術的問題置換為藝術作品的問題。顯然，嚴格地講，藝術和藝術作品是有差別的，這樣一來問題就變得含混了起來。
因此，從藝術作品作為邏輯出發點來探討藝術的本質的主要問題就在于，這種探討首先就預設了藝術是一種現實的存在，認為藝術品是一種區別于自然、理念等的存在物，然后去探討它和世界的特殊的聯系。但在這其中有兩個不可回避的問題：其一也就是我們在前面提到的，在藝術之所以成立的預設中也就包含著藝術之為藝術的本質主義假定，反過來正因為有了這種預設和前提，藝術作品才得以成立和顯現。顯而易見，這自然就導致了對藝術的真實意義問題的掩蓋，其所探討的出發點即邏輯起點是藝術作品而不是藝術，但我們可以進一步追問，這些藝術作品存在的邏輯前提又是什么？藝術作品是怎樣從世界中剝離出來的？我們怎樣認定這些悲劇、史詩、雕塑等就是藝術作品而不是其他？這樣，藝術的意義的真正問題就掩蓋在本質主義的預設之中了，藝術的問題就變為藝術作品的問題。其二，既然藝術作品是藝術的現實存在物，它是對世界的模仿，它所體現的是藝術作品和世界的關系，那么，在這種關系中，藝術家作為這種活動的直接介入者，他的意義又何在呢？藝術家在這種模仿世界或理念的活動中，不介入自己的任何理解而機械、本真地模仿自然或再現理念，這幾乎是不可能的。反過來，恰恰是藝術家的活動，使得本真從遮蔽中綻出，使得藝術作品充滿了生氣，這樣，藝術家的活動正是決定藝術作品水準高低的主導因素。所以，單方面地從藝術作品出發來探求藝術問題，顯然就掩蓋和遮蔽了藝術的最基準的問題。也就是藝術的意義的真實問題。
藝術模仿說以藝術作品與世界的關系為其探討的主要問題，這在很大程度上限制了藝術的這種無限多樣的自由創造性，因為它一味地強調藝術和現實世界的完全的符合。但事實情況是，藝術就是藝術，它和現實就是不一樣的，繪畫中的顏色在現實中我們可能根本見不到，小說總歸是一種編造的故事，但它們卻又實實在在地影響著人，使人神情激蕩，思緒飛揚。為什么又會如此呢？顯而易見，用藝術作品和現實之間的這種生硬的關系來說明這些問題，已顯得極為力不從心了。這樣，就使得我們不得不又向前邁進一步，把探索的目光聚焦于藝術作品的現實來源，也就是藝術的制作者，即藝術家。
二、藝術和藝術家
藝術家，通常認為，就是藝術的制作者。藝術首先是藝術家制作出來的物品，自然地，是藝術家使藝術成為藝術，沒有藝術家，藝術似乎是不可能的，藝術家以及他的藝術制作活動是藝術的主導因素。邏輯地看，藝術活動首先是藝術家的制作活動，藝術作品也是藝術家的制作活動的最后結果。
隨著西方近性主義的高揚，人的價值，個性自由，人的主體性等問題得到了普遍的關注，浪漫主義藝術潮流也隨之勃興，藝術強調藝術家個性的自由張揚和展現，自由、創造、天才等概念成了這種潮流的主導性范疇，藝術家成為藝術的主導因素。與之相應的是藝術“表現說”對傳統的“模仿說”的反叛。18、19世紀的浪漫主義思潮，標榜“自我表現”，沖破了“模仿說”的羅網，“表現說”于是興起。表現說批評模仿機械復制，強調藝術必須以表現主體情感為主。康德最早提出“天才”論，強調藝術是天才的創造和表現，提出天才是和模仿精神是完全對立的觀點。在康德的先驗哲學中，主體性問題被強調到了極致，人是目的的問題是康德哲學的基本出發點，這樣，他就是從藝術家的活動出發，肯定了天才和創造在藝術制作中的巨大意義，他認為天才是一種天賦的能力，這種天賦因素是藝術的決定因素，這樣藝術家在藝術制作中的作用被康德充分地加以肯定了。德國浪漫派畫家德拉克洛瓦認為，人即使練習作畫，感情的表達也應該放在第一位。德國直覺主義哲學家柏格森認為，詩意是表現心靈狀態的。意大利表現主義美學家克羅齊更是干脆宣稱藝術即直覺，即抒情的表現。表現說把藝術本質同藝術家主體情感的表現聯系起來，突出了藝術的審美特性。中國的言志說、心生說和緣情說大致上是與表現說相類似的觀點。較之模仿說，表現說不是從藝術作品而是從藝術家作為邏輯起點來探討藝術的意義問題，更明確地來說，就是把藝術家的情感作為藝術的核心和關鍵性問題。但同樣可以看出，在這種以藝術家以及藝術家的情感為主導的藝術問題的探討中，照樣包含著對藝術更為極端的本質主義化的傾向。
首先，藝術活動是以藝術家為主體的活動，我們絕對不否認藝術家對藝術制作活動的意義，正因為藝術家的存在以及藝術家的制作活動的水準的高低，就自然決定了藝術作品的產生和水準的高低，否則那些非凡、偉大的藝術作品是不會產生的。但是，我們把問題拓展開來看，如果說，藝術家的制作的結果是藝術作品，推而廣之，就是藝術。那么，是什么使得藝術家的制作得以成立？也就是說成為藝術作品，成為藝術，是他賦予的他的制作品的風格，還是情感，還是其他？這些都無法說明這一問題，而且會使問題再一次陷入到循環論證中而無法自拔。進一步的問題也就是，在藝術家的制作活動開始之前或進行中，他是否明確或已意識到他正進行著藝術活動，是否明確他的制作的結果將是一件藝術品而不是其他，如果是這樣，那他已經就是按照藝術的模式和規則來進行藝術產生，那么，藝術的創造性又怎樣灌注其中，藝術家的主體性又如何體現出來呢？這些問題又涉及到了藝術的意義問題，這就促使我們從其他方面而不是從藝術家出發去探究。顯然，從藝術家為邏輯起點來探討藝術的意義，認為藝術家就是藝術的立法者，藝術家使藝術作品得以成立的觀點，同樣使得問題簡單化了。不難發現，藝術創造并非藝術家為遵守規則而遵守規則，實際上只是為了某種藝術創造才去遵守這樣或那樣的規則，藝術家不是遵循了某些規則而成就了藝術。因此，需要有另一種線索來研究藝術家是如何賦予藝術品的藝術性或者藝術質量以及藝術規則的藝術質量。
其次，藝術是一種以情感為主的活動，情感的激蕩構成了藝術活動的基本意義。但是，如果僅僅承認只有藝術家具備情感的表現能力，只有藝術家的天才能力才能超越事物的表面，捕捉到那最為動人的情感，那么，問題是這種情感能表現出來嗎？即使能夠表現，我們又如何體驗到這種表現呢？這里問題還是不少。正如我們前面已否定的，藝術本來什么也不是，我們不要試圖給藝術負載什么文化、情感等的因素在其中，但情感表現主義卻把模仿說中的再現自然或理念暗換為表現情感，這種情感中心主義，實際上沒有什么大的突破，反而以一種模糊的情感來惑亂視聽，使藝術被一種不知所云的神秘主義面紗所籠罩，或是成為膚淺的弗洛伊德主義者的某種陰暗、病態心理的暗示，把崇高的藝術變成了類似原始巫術一樣的神神道道的東西。本來情感使藝術充滿活力，但情感表現主義所要求的情感的意味和表現，實際上是對情感的一種貶低和嚴重的曲解。
從藝術家出發探討藝術的基本思路是，因為存在藝術家，藝術才成為可能，不管來自于理念還是自然，還是表現歷史、情感等，它的一個基本的前提是藝術就是藝術家的制作。其中關鍵的問題是，就是藝術家以及他們的這些有意識地向自然或理念模仿或是表現情感的活動，藝術才賴以成立，藝術品才從自然中分離出來。這樣，藝術家成了藝術制作的主體，相應地，藝術家之外的與之對立的自然、理念或情感則成了藝術的源泉和來源，是為客體。這是一種表面化的探求和本質主義的預設，因為根據這一觀點，我們自然可以推出，在藝術之前，已經存在著所謂的藝術之為藝術的實體，不管它是在自然或是理念、歷史、甚至情感之中，只不過是藝術家把它抽取出來而已，藝術家在這里扮演的是一個抽取的角色。這樣，自然而然就形成了兩個對立的因素：藝術的本體和藝術的諸現象，即藝術作為藝術的本質和藝術家、作品等，藝術之為藝術的東西自然地隱藏在事物背后，藝術家將它開掘出來，藝術家就成了藝術的代言人。
以藝術家為邏輯起點出發對藝術的意義的追問，使得藝術的意義探尋問題向本質主義更深地推進了一步，沿著這一思路下去，藝術欣賞或藝術接受就成了二次開掘的工作，作為藝術接受者的活動就是猜謎式的或是破譯密碼式的工作，我們面對藝術，就要愁眉難展、費盡心力地再次去找尋藝術家植入到藝術作品中的這種意義，但是，是否存在這種永恒的意義呢？這種尋找意義的活動是否構成了藝術活動呢？這種尋求意義的意義又是什么？解釋學藝術理論便試圖從藝術接受方面來完成這樣的工作。
三、藝術和藝術接受
當從藝術作品和藝術家出發對藝術的探討充滿問題時，大家不約而同地把目光聚焦于以往的理論中關注甚少或根本沒有關注的藝術接受問題上來。藝術接受包括藝術接受者及其接受活動，是對藝術作品的一種體驗、感悟和評價；在這種接受活動中，通過對藝術作品的現實的存在的感受和思考，我們可能會和藝術作品一起構成一個屬于我們自己的世界，獲得一種情感上的體悟和評價。顯然，這不單純是個體當下的評價、接受的行為，同時也是在文化和文明的作用下產生的行為。因為這種接受、評價、體驗的行為的復雜多樣性和易變性，就使得這一過程變得更加撲朔迷離而難以把握，所以，因其無序性和隨機性的特點，以往的研究多不予關注。但它確實是藝術活動中十分重要的組成因素，而且是藝術活動的直接發生者。20世紀以來的解釋學藝術理論便試圖以此為出發點來讀解藝術、藝術作品。
解釋學藝術理論把藝術接受作為藝術活動的主體，其基本觀點在于強調從藝術接受者出發的對“文本”闡釋和讀解的多樣性，肯定了藝術接受中“前結構”和接受中的誤讀和解釋的合法性，由此達到對傳統的藝術理論所認為的藝術的中心意義的消解。解釋學藝術理論從藝術接受出發探討藝術，是針對傳統的藝術表現論而言的，這一理論首先要詢問的是藝術中究竟有沒有這種恒定不變的意義中心，作為藝術接受活動的實質究竟是不是對這種恒定的中心意義的尋找。在這一前提下，他們認為，在藝術接受活動中，這種“前結構”，也即“歷史視閾”是影響接受的基本因素，它構成一種“合法的偏見”，所以，對于接受來說，不存在所謂的與文本符合或發現中心意義的問題，而是由文本和接受構成了另一個世界，在這一世界中，文本向接受者敞開，接受者也向文本敞開；故而，藝術接受中對藝術的理解，不是要指向那意義，進入藝術之中，絕對占有藝術所構成的世界，而是將自己是“非現實化”，將自己“暴露”給文本；在藝術接受中，是力圖和自我構筑的“他者”不斷地對話，形成一個不同的世界和新的視野。所以，解釋學藝術理論強調藝術接受對藝術的意義，不但主張藝術接受者對藝術意義的占有，而更為重要的是通過這種占有對接受者自己的創造和激發。這樣，傳統的藝術的永恒、普遍的中心意義消解了，藝術不再是反映現實或表現情感的東西，它沒有普遍的標準，永恒的意義，一切都在解釋和對話中不斷地展現，不斷地開啟著新的世界。在這一理論中，他們提出“讀者中心主義”的口號，力圖解構藝術作品、藝術家的在藝術中的意義，這樣，藝術作品的范圍大大擴展，藝術家的創造不再對作品具有決定意義，甚至作者徹底地從接受視野中消失了。
但解釋學藝術理論的局限也是顯而易見的，果真像他們所描述的，任何文本，在認識視界中是真理，而在審美視界中是藝術，全由接受者的讀解來決定，那么，藝術的意義的規定性幾乎等于零。這樣，藝術創造、藝術家甚至純粹的藝術作品都會從人們的視閾中消失，我們可能面對的一切都會成為藝術的世界，我們的一切活動都可能會成為藝術化的活動，在我們隨意性的指稱中，藝術就誕生了，那么，藝術還有什么意義和規定性而言呢？所以，這又不得不迫使我們把問題引向縱深。
從藝術接受出發來探討藝術的意義，對藝術的本質和中心意義的消解，強調藝術接受的意義，從而強調藝術闡釋的多元化和不確定性，這是現代哲學對傳統形而上學的反叛在藝術理論中的體現。這樣，在藝術接受的誤讀和敞開中，“我”和“藝術”構筑著世界，藝術活動成了藝術的意義探究的核心，藝術經驗和審美經驗則是藝術中主要強調的因素，對藝術的意義的探討就直接指向了人的心靈的意義的探討。在這里，藝術不再是模仿現實或理念等事物，或不再是情感的不斷表現，藝術沒有這個必要，藝術的意義變成了一種行動，一種構筑著“別樣”世界的活動，藝術的意義在于將自己“暴露”在世界中，世界向自己的一種展開和敞亮，正是在這種沉淪和上升中，藝術的意義開啟了。所以，解釋學藝術理論引人注目的地方就在于將藝術的意義的探討最終指向了藝術活動，指向了人的心靈。
四、藝術和藝術活動
從前面的分析我們看出，不論是模仿說還是表現說，不管是從藝術作品還是從藝術家出發來探討藝術，都包含有一個不可克服的問題，都企圖從讓藝術來負載一些什么東西在里邊，不論是作品中對世界的反映，或是藝術家感情的宣泄，都試圖把理念或情感的內質強加給藝術，這是一種本質主義對藝術的否定，它在給藝術賦予一定的本質的時候，恰恰就將藝術徹底背離了。所以，我們認為，對藝術的意義的闡釋的最大的問題是極端的知識化。人的任何活動都有相應的知識，歸納性的、解釋性的或是反思性的等等，藝術作為人的一種活動，也被限制在知識的規范中了，這在很大程度上應該歸咎于美學理論。作為藝術的規范性理論，美學理論已嚴重地背離了藝術，由于它過分的和極端的知識化傾向，使藝術被淹沒在空洞的理論中。而要試圖探討藝術的意義，除了擺脫這種空洞理論的束縛外，最主要的還在于溯本逐源，從藝術活動的本初談起。而解釋學藝術理論的努力則扭轉了這個方向，它更重視藝術是一種活動，在這種闡釋的行動中，藝術和接受對自我和世界的意義的構筑和開啟。因此，我們強調，藝術什么也不表現，什么也不反映，什么也沒有，什么也沒有的就是藝術！所以，對藝術的意義的探討，從藝術作品、藝術家或是藝術接受出發，最終都要歸結到對人的藝術活動的探討中去。
藝術活動的根本所在就是構筑另一個世界的活動。我們之所以提出藝術什么也沒有，什么也沒有的就是藝術的極端的觀點，并不是徹底的虛無主義和相對主義的遁詞，而是要徹底否定所謂的藝術批評和美學理論對藝術是什么的概念化和知識化的思考，藝術開啟的本來是一個非凡別樣而不同平常的世界，而我們的理論總是試圖將它納入到我們正常的世界中來思考，這就從根本上將藝術背離了。所以，我們所要否定的就是對藝術是什么的提問。因此，問題最后會變為藝術可能的意義，藝術能夠給予什么的追問，而這種追問只能再回到藝術活動中去探究，因為藝術活動是藝術的基本的和原初的起點。
如果我們以藝術活動作為藝術的意義問題的起點，那么我們又如何來描述藝術活動呢？人的活動紛繁復雜，究竟那些屬于藝術活動？面對這些問題，我們又會變得困惑。但是，我們先驗地認為人就是一個活動的主體的話，那么藝術活動也就是人的所有活動中的一種，這種活動的特殊性在于，它是一種再造另一世界的活動，它是一種心靈構筑意義的活動。
首先，人的活動的特殊性，用馬克思的話來說，就是創造“第二自然”的活動，活動本身是自然向人生成的過程，馬克思在這里看到了人和自然的關系問題，但人的活動不僅僅體現為人和自然之間的活動，人也不僅僅是使自然向著他自己，他的活動的內涵應該更廣闊，馬克思這里所說的創造“第二自然”的觀點卻為我們提供了思路。由此可見，人的活動具有某種創造性，這種創造性就體現為人對另一世界的探視的努力，在這種探視中，他不是還原現存世界，而是力圖去開啟和敞亮可能的世界，這種可能的世界只能是藝術世界。不管是藝術制作還是藝術接受活動，都存在著這樣一種可能。所以，不管怎樣，藝術活動是一個使我們的世界“陌生化”的活動，這是一個極為樸素的事實，但這正是我們思考藝術的真正出發點。正是在這種制造陌生事物的活動中，我們在不斷地超越，超越現存世界有和無的隔離，在心靈中出現了另一世界，這就是藝術世界。藝術世界是心靈不斷地展示自己的運動，藝術家、藝術作品、藝術接受都可以包含在這個心靈的運動之中。藝術活動的本意就是心靈自我改造的意義，面對一件非凡的藝術作品，我們感悟到的東西，絕對不是現有的知識告訴我們的，或是藝術理論告訴我們的應該是什么的東西，而是對我們心靈的改造；藝術作品也不是一個常規的現實存在的物，它絕對不是知識的對象，而是一個開啟我們的世界面向心靈的物，藝術作品的本意是激蕩起我們的感受，是藝術作品驅使著我們，而不是我們審視藝術；所以，真正偉大的藝術家以及他的作品，應該就是不斷地刺激著我們的感覺，使我們進入到“我—藝術”的世界中，使之在思考中感受，在感受中思考，藝術就是著力于激發塑造新的心情，新的感受方式，是藝術的方式在制造著我們感覺的方式，而不是我們在不斷地規定著藝術的方式。
試圖探討藝術的意義問題，首先要從否定“藝術是什么”這一傳統的形而上學的提問方式開始；在中止這一提問的前提下，才能追問藝術之所以存在的意義；這種追問必須要建基于人的藝術活動之上，進而才能對藝術家、藝術作品、藝術活動等傳統的問題進行探討，最后從人的心靈出發，將藝術的意義問題歸結到對心靈的思考。
關鍵詞藝術意義藝術家藝術作品藝術活動
談到藝術，我們毫不猶豫地可以說出一系列藝術作品，同時我們可以舉出無數的藝術家。但是，當我們真正追問是什么使他們（它們）成為藝術家和藝術作品的問題，藝術的內在本質究竟是什么時，我們又變得茫然起來。藝術是什么？對于此，前人已經提出了各種各樣的回答，而且接著他們的思考，我們仍可以繼續回答下去。在前人已經提出的所有解釋中，任何一種解釋都不是沒有道理，但是任何一種解釋也并不是有道理，我們即使將所有的解釋加在一起也還無法說明什么是藝術。
“藝術是什么？”這一藝術定義問題本身作為一個傳統的形而上學的命題，與“美”的定義等問題一道，在西方現當代美學尤其是英美分析哲學美學中成為一個主要的問題，并且已被認為是一個沒有實體的自我循環的假命題而多被詬病。此前從狄爾泰已經開始對藝術的本體問題不作追尋，他的探討退出了本體問題而討論藝術的意義。他認為藝術在上下文中才有意義；藝術在特定的歷史中才有意義；藝術在人們的興趣（關注）中才有意義，因此不存在沒有前提（先決條件）的藝術。分析哲學的先驅喬治·E·摩爾認為，“美”不是一個自然客體，故不能采用像自然科學下定義的方式來加以界定，而只能采用直覺來把握；早期維特根斯坦也認為美屬于不可言說的東西，對不可言說的東西，人們只能保持沉默。著名分析哲學家艾耶爾則斷定，由于美學的命題基本上沒有實指，所以都是“妄命題”。因此，美國美學家莫里斯·韋茲和肯尼克，都根本否定給藝術下定義的做法，宣稱藝術是不可定義的。所以，在這些理論來看，藝術什么也不是，什么都不是的就是藝術，藝術的本體在它的賓詞后沒有成立的可能性。
但是這種沒有可能的可能性，恰恰是我們思考的起點。對藝術的本質問題的追問的不可置否性，在現代藝術中顯示的最大意義，就在于它顯示著并不具有實體的藝術，也就是這種無有的存在，如何在人的心靈中變現為實體的藝術活動、藝術家和藝術作品。很顯然，面對“什么是藝術”這類問題，我們并不是要放棄對藝術的追問，而是要改變這種本質主義的追問方式，必須首先思考藝術之為藝術的心靈特質，放在對人的藝術活動的考察上，使我們的思考直接從“什么是藝術”的問題前的問題開始。通過藝術活動的分析，進而從藝術作品、藝術家、藝術接受等所有的藝術活動的相互關系，也就是藝術與心靈的關系中去尋求藝術的意義。
一、藝術和藝術作品
探討藝術問題，通常我們首先從分析藝術作品入手。根據經驗，我們很容易判斷出藝術品與非藝術品，我們在聆聽音樂、欣賞繪畫、閱讀小說、觀看舞蹈等藝術活動中，不假思索地認為它們都是藝術品，而且我們會有意識地去評判它們的藝術水平的高低。但問題也就隨之產生了，我們憑什么說它是藝術品或是非藝術品，如果作為藝術品，它們的水平高下是如何確定的，我們判斷的基準在于什么，也就是說，藝術作品是什么？這個問題的內在含義也就是，在我們所面對的眾多物品面前，如何判斷哪個是藝術品，藝術品符合什么條件才能被稱為藝術品，我們怎樣確定藝術品的水準的高低。顯然，我們通常的判斷是建立在對作為藝術品的基本構成的涵義的理解上，這種判斷在我們當下的話語系統中是有效的，比如在特定的時限或氛圍中，可是一旦超出這個范圍，問題可能會變得復雜起來。究其實，我們對藝術品和非藝術品的追問，回到根本上也就是對藝術問題的追問。因為我們在劃分藝術品和非藝術品時，我們已經存有了藝術的觀念在指導著我們這樣做，不管這種觀念是有意識還是無意識地支配著我們。這就是說，我們對藝術品本身的追問，也就隱含著對藝術問題的追問。所以，探討何為藝術作品的問題，實際上也就成了藝術探討的奠基性問題。但這一探究從一開始就顯得困難重重，問題遍布。
自柏拉圖、亞里士多德開始的藝術“模仿說”是雄霸西方千年的藝術理論，模仿說被作為經典的藝術理論在東西方產生了極大的影響，但實際上這一理論是直接以藝術作品為邏輯起點來探討藝術的。柏拉圖認為，世界的本質是理念，現實世界是對理念世界的模仿，作為藝術的藝術品又是對現實世界的模仿，這種模仿也就是不真實的、虛幻的。另一位哲人亞里士多德則肯定了現實世界的真實性，因而也就肯定了模仿它的藝術的真實性。后來古羅馬美學家賀拉斯也繼承了藝術模仿說，直到17世紀，古典主義藝術家們還提出了“藝術模仿自然”的原則，以再現現實為宗旨的現實主義文藝可以說是模仿說的最高發展階段。雖然，隨著西方現代藝術的崛起，在各種全新觀念的沖擊下，這一理論遭受嚴重的挑戰而變得如此不堪，但在我國當代的一些僵化和陳舊的藝術理論中還有極大的市場，以一種變形了的“反映論”藝術觀的面目出現。這一理論探討的是藝術的本質問題，但實際上卻是從藝術作品的問題開始的，分析了藝術作品和自然、理念、事物的關系。模仿說把藝術與現實世界聯系在一起，把藝術看成是再現和認識世界的一種特殊的方式，從藝術作品產生的源泉來把握藝術本質。然而，其根本問題在于，一方面它把藝術局限于“模仿”世界的認識論范圍；另一方面，它忽視了藝術創造的主體性。根本的問題也就在于把對藝術的探討以藝術作品為邏輯起點，這樣自然就把藝術的問題置換為藝術作品的問題。顯然，嚴格地講，藝術和藝術作品是有差別的，這樣一來問題就變得含混了起來。
因此，從藝術作品作為邏輯出發點來探討藝術的本質的主要問題就在于，這種探討首先就預設了藝術是一種現實的存在，認為藝術品是一種區別于自然、理念等的存在物，然后去探討它和世界的特殊的聯系。但在這其中有兩個不可回避的問題：其一也就是我們在前面提到的，在藝術之所以成立的預設中也就包含著藝術之為藝術的本質主義假定，反過來正因為有了這種預設和前提，藝術作品才得以成立和顯現。顯而易見，這自然就導致了對藝術的真實意義問題的掩蓋，其所探討的出發點即邏輯起點是藝術作品而不是藝術，但我們可以進一步追問，這些藝術作品存在的邏輯前提又是什么？藝術作品是怎樣從世界中剝離出來的？我們怎樣認定這些悲劇、史詩、雕塑等就是藝術作品而不是其他？這樣，藝術的意義的真正問題就掩蓋在本質主義的預設之中了，藝術的問題就變為藝術作品的問題。其二，既然藝術作品是藝術的現實存在物，它是對世界的模仿，它所體現的是藝術作品和世界的關系，那么，在這種關系中，藝術家作為這種活動的直接介入者，他的意義又何在呢？藝術家在這種模仿世界或理念的活動中，不介入自己的任何理解而機械、本真地模仿自然或再現理念，這幾乎是不可能的。反過來，恰恰是藝術家的活動，使得本真從遮蔽中綻出，使得藝術作品充滿了生氣，這樣，藝術家的活動正是決定藝術作品水準高低的主導因素。所以，單方面地從藝術作品出發來探求藝術問題，顯然就掩蓋和遮蔽了藝術的最基準的問題。也就是藝術的意義的真實問題。
藝術模仿說以藝術作品與世界的關系為其探討的主要問題，這在很大程度上限制了藝術的這種無限多樣的自由創造性，因為它一味地強調藝術和現實世界的完全的符合。但事實情況是，藝術就是藝術，它和現實就是不一樣的，繪畫中的顏色在現實中我們可能根本見不到，小說總歸是一種編造的故事，但它們卻又實實在在地影響著人，使人神情激蕩，思緒飛揚。為什么又會如此呢？顯而易見，用藝術作品和現實之間的這種生硬的關系來說明這些問題，已顯得極為力不從心了。這樣，就使得我們不得不又向前邁進一步，把探索的目光聚焦于藝術作品的現實來源，也就是藝術的制作者，即藝術家。
二、藝術和藝術家
藝術家，通常認為，就是藝術的制作者。藝術首先是藝術家制作出來的物品，自然地，是藝術家使藝術成為藝術，沒有藝術家，藝術似乎是不可能的，藝術家以及他的藝術制作活動是藝術的主導因素。邏輯地看，藝術活動首先是藝術家的制作活動，藝術作品也是藝術家的制作活動的最后結果。
隨著西方近性主義的高揚，人的價值，個性自由，人的主體性等問題得到了普遍的關注，浪漫主義藝術潮流也隨之勃興，藝術強調藝術家個性的自由張揚和展現，自由、創造、天才等概念成了這種潮流的主導性范疇，藝術家成為藝術的主導因素。與之相應的是藝術“表現說”對傳統的“模仿說”的反叛。18、19世紀的浪漫主義思潮，標榜“自我表現”，沖破了“模仿說”的羅網，“表現說”于是興起。表現說批評模仿機械復制，強調藝術必須以表現主體情感為主。康德最早提出“天才”論，強調藝術是天才的創造和表現，提出天才是和模仿精神是完全對立的觀點。在康德的先驗哲學中，主體性問題被強調到了極致，人是目的的問題是康德哲學的基本出發點，這樣，他就是從藝術家的活動出發，肯定了天才和創造在藝術制作中的巨大意義，他認為天才是一種天賦的能力，這種天賦因素是藝術的決定因素，這樣藝術家在藝術制作中的作用被康德充分地加以肯定了。德國浪漫派畫家德拉克洛瓦認為，人即使練習作畫，感情的表達也應該放在第一位。德國直覺主義哲學家柏格森認為，詩意是表現心靈狀態的。意大利表現主義美學家克羅齊更是干脆宣稱藝術即直覺，即抒情的表現。表現說把藝術本質同藝術家主體情感的表現聯系起來，突出了藝術的審美特性。中國的言志說、心生說和緣情說大致上是與表現說相類似的觀點。較之模仿說，表現說不是從藝術作品而是從藝術家作為邏輯起點來探討藝術的意義問題，更明確地來說，就是把藝術家的情感作為藝術的核心和關鍵性問題。但同樣可以看出，在這種以藝術家以及藝術家的情感為主導的藝術問題的探討中，照樣包含著對藝術更為極端的本質主義化的傾向。
首先，藝術活動是以藝術家為主體的活動，我們絕對不否認藝術家對藝術制作活動的意義，正因為藝術家的存在以及藝術家的制作活動的水準的高低，就自然決定了藝術作品的產生和水準的高低，否則那些非凡、偉大的藝術作品是不會產生的。但是，我們把問題拓展開來看，如果說，藝術家的制作的結果是藝術作品，推而廣之，就是藝術。那么，是什么使得藝術家的制作得以成立？也就是說成為藝術作品，成為藝術，是他賦予的他的制作品的風格，還是情感，還是其他？這些都無法說明這一問題，而且會使問題再一次陷入到循環論證中而無法自拔。進一步的問題也就是，在藝術家的制作活動開始之前或進行中，他是否明確或已意識到他正進行著藝術活動，是否明確他的制作的結果將是一件藝術品而不是其他，如果是這樣，那他已經就是按照藝術的模式和規則來進行藝術產生，那么，藝術的創造性又怎樣灌注其中，藝術家的主體性又如何體現出來呢？這些問題又涉及到了藝術的意義問題，這就促使我們從其他方面而不是從藝術家出發去探究。顯然，從藝術家為邏輯起點來探討藝術的意義，認為藝術家就是藝術的立法者，藝術家使藝術作品得以成立的觀點，同樣使得問題簡單化了。不難發現，藝術創造并非藝術家為遵守規則而遵守規則，實際上只是為了某種藝術創造才去遵守這樣或那樣的規則，藝術家不是遵循了某些規則而成就了藝術。因此，需要有另一種線索來研究藝術家是如何賦予藝術品的藝術性或者藝術質量以及藝術規則的藝術質量。
其次，藝術是一種以情感為主的活動，情感的激蕩構成了藝術活動的基本意義。但是，如果僅僅承認只有藝術家具備情感的表現能力，只有藝術家的天才能力才能超越事物的表面，捕捉到那最為動人的情感，那么，問題是這種情感能表現出來嗎？即使能夠表現，我們又如何體驗到這種表現呢？這里問題還是不少。正如我們前面已否定的，藝術本來什么也不是，我們不要試圖給藝術負載什么文化、情感等的因素在其中，但情感表現主義卻把模仿說中的再現自然或理念暗換為表現情感，這種情感中心主義，實際上沒有什么大的突破，反而以一種模糊的情感來惑亂視聽，使藝術被一種不知所云的神秘主義面紗所籠罩，或是成為膚淺的弗洛伊德主義者的某種陰暗、病態心理的暗示，把崇高的藝術變成了類似原始巫術一樣的神神道道的東西。本來情感使藝術充滿活力，但情感表現主義所要求的情感的意味和表現，實際上是對情感的一種貶低和嚴重的曲解。
從藝術家出發探討藝術的基本思路是，因為存在藝術家，藝術才成為可能，不管來自于理念還是自然，還是表現歷史、情感等，它的一個基本的前提是藝術就是藝術家的制作。其中關鍵的問題是，就是藝術家以及他們的這些有意識地向自然或理念模仿或是表現情感的活動，藝術才賴以成立，藝術品才從自然中分離出來。這樣，藝術家成了藝術制作的主體，相應地，藝術家之外的與之對立的自然、理念或情感則成了藝術的源泉和來源，是為客體。這是一種表面化的探求和本質主義的預設，因為根據這一觀點，我們自然可以推出，在藝術之前，已經存在著所謂的藝術之為藝術的實體，不管它是在自然或是理念、歷史、甚至情感之中，只不過是藝術家把它抽取出來而已，藝術家在這里扮演的是一個抽取的角色。這樣，自然而然就形成了兩個對立的因素：藝術的本體和藝術的諸現象，即藝術作為藝術的本質和藝術家、作品等，藝術之為藝術的東西自然地隱藏在事物背后，藝術家將它開掘出來，藝術家就成了藝術的代言人。
以藝術家為邏輯起點出發對藝術的意義的追問，使得藝術的意義探尋問題向本質主義更深地推進了一步，沿著這一思路下去，藝術欣賞或藝術接受就成了二次開掘的工作，作為藝術接受者的活動就是猜謎式的或是破譯密碼式的工作，我們面對藝術，就要愁眉難展、費盡心力地再次去找尋藝術家植入到藝術作品中的這種意義，但是，是否存在這種永恒的意義呢？這種尋找意義的活動是否構成了藝術活動呢？這種尋求意義的意義又是什么？解釋學藝術理論便試圖從藝術接受方面來完成這樣的工作。
三、藝術和藝術接受
當從藝術作品和藝術家出發對藝術的探討充滿問題時，大家不約而同地把目光聚焦于以往的理論中關注甚少或根本沒有關注的藝術接受問題上來。藝術接受包括藝術接受者及其接受活動，是對藝術作品的一種體驗、感悟和評價；在這種接受活動中，通過對藝術作品的現實的存在的感受和思考，我們可能會和藝術作品一起構成一個屬于我們自己的世界，獲得一種情感上的體悟和評價。顯然，這不單純是個體當下的評價、接受的行為，同時也是在文化和文明的作用下產生的行為。因為這種接受、評價、體驗的行為的復雜多樣性和易變性，就使得這一過程變得更加撲朔迷離而難以把握，所以，因其無序性和隨機性的特點，以往的研究多不予關注。但它確實是藝術活動中十分重要的組成因素，而且是藝術活動的直接發生者。20世紀以來的解釋學藝術理論便試圖以此為出發點來讀解藝術、藝術作品。
解釋學藝術理論把藝術接受作為藝術活動的主體，其基本觀點在于強調從藝術接受者出發的對“文本”闡釋和讀解的多樣性，肯定了藝術接受中“前結構”和接受中的誤讀和解釋的合法性，由此達到對傳統的藝術理論所認為的藝術的中心意義的消解。解釋學藝術理論從藝術接受出發探討藝術，是針對傳統的藝術表現論而言的，這一理論首先要詢問的是藝術中究竟有沒有這種恒定不變的意義中心，作為藝術接受活動的實質究竟是不是對這種恒定的中心意義的尋找。在這一前提下，他們認為，在藝術接受活動中，這種“前結構”，也即“歷史視閾”是影響接受的基本因素，它構成一種“合法的偏見”，所以，對于接受來說，不存在所謂的與文本符合或發現中心意義的問題，而是由文本和接受構成了另一個世界，在這一世界中，文本向接受者敞開，接受者也向文本敞開；故而，藝術接受中對藝術的理解，不是要指向那意義，進入藝術之中，絕對占有藝術所構成的世界，而是將自己是“非現實化”，將自己“暴露”給文本；在藝術接受中，是力圖和自我構筑的“他者”不斷地對話，形成一個不同的世界和新的視野。所以，解釋學藝術理論強調藝術接受對藝術的意義，不但主張藝術接受者對藝術意義的占有，而更為重要的是通過這種占有對接受者自己的創造和激發。這樣，傳統的藝術的永恒、普遍的中心意義消解了，藝術不再是反映現實或表現情感的東西，它沒有普遍的標準，永恒的意義，一切都在解釋和對話中不斷地展現，不斷地開啟著新的世界。在這一理論中，他們提出“讀者中心主義”的口號，力圖解構藝術作品、藝術家的在藝術中的意義，這樣，藝術作品的范圍大大擴展，藝術家的創造不再對作品具有決定意義，甚至作者徹底地從接受視野中消失了。
但解釋學藝術理論的局限也是顯而易見的，果真像他們所描述的，任何文本，在認識視界中是真理，而在審美視界中是藝術，全由接受者的讀解來決定，那么，藝術的意義的規定性幾乎等于零。這樣，藝術創造、藝術家甚至純粹的藝術作品都會從人們的視閾中消失，我們可能面對的一切都會成為藝術的世界，我們的一切活動都可能會成為藝術化的活動，在我們隨意性的指稱中，藝術就誕生了，那么，藝術還有什么意義和規定性而言呢？所以，這又不得不迫使我們把問題引向縱深。
從藝術接受出發來探討藝術的意義，對藝術的本質和中心意義的消解，強調藝術接受的意義，從而強調藝術闡釋的多元化和不確定性，這是現代哲學對傳統形而上學的反叛在藝術理論中的體現。這樣，在藝術接受的誤讀和敞開中，“我”和“藝術”構筑著世界，藝術活動成了藝術的意義探究的核心，藝術經驗和審美經驗則是藝術中主要強調的因素，對藝術的意義的探討就直接指向了人的心靈的意義的探討。在這里，藝術不再是模仿現實或理念等事物，或不再是情感的不斷表現，藝術沒有這個必要，藝術的意義變成了一種行動，一種構筑著“別樣”世界的活動，藝術的意義在于將自己“暴露”在世界中，世界向自己的一種展開和敞亮，正是在這種沉淪和上升中，藝術的意義開啟了。所以，解釋學藝術理論引人注目的地方就在于將藝術的意義的探討最終指向了藝術活動，指向了人的心靈。
四、藝術和藝術活動
從前面的分析我們看出，不論是模仿說還是表現說，不管是從藝術作品還是從藝術家出發來探討藝術，都包含有一個不可克服的問題，都企圖從讓藝術來負載一些什么東西在里邊，不論是作品中對世界的反映，或是藝術家感情的宣泄，都試圖把理念或情感的內質強加給藝術，這是一種本質主義對藝術的否定，它在給藝術賦予一定的本質的時候，恰恰就將藝術徹底背離了。所以，我們認為，對藝術的意義的闡釋的最大的問題是極端的知識化。人的任何活動都有相應的知識，歸納性的、解釋性的或是反思性的等等，藝術作為人的一種活動，也被限制在知識的規范中了，這在很大程度上應該歸咎于美學理論。作為藝術的規范性理論，美學理論已嚴重地背離了藝術，由于它過分的和極端的知識化傾向，使藝術被淹沒在空洞的理論中。而要試圖探討藝術的意義，除了擺脫這種空洞理論的束縛外，最主要的還在于溯本逐源，從藝術活動的本初談起。而解釋學藝術理論的努力則扭轉了這個方向，它更重視藝術是一種活動，在這種闡釋的行動中，藝術和接受對自我和世界的意義的構筑和開啟。因此，我們強調，藝術什么也不表現，什么也不反映，什么也沒有，什么也沒有的就是藝術！所以，對藝術的意義的探討，從藝術作品、藝術家或是藝術接受出發，最終都要歸結到對人的藝術活動的探討中去。
藝術活動的根本所在就是構筑另一個世界的活動。我們之所以提出藝術什么也沒有，什么也沒有的就是藝術的極端的觀點，并不是徹底的虛無主義和相對主義的遁詞，而是要徹底否定所謂的藝術批評和美學理論對藝術是什么的概念化和知識化的思考，藝術開啟的本來是一個非凡別樣而不同平常的世界，而我們的理論總是試圖將它納入到我們正常的世界中來思考，這就從根本上將藝術背離了。所以，我們所要否定的就是對藝術是什么的提問。因此，問題最后會變為藝術可能的意義，藝術能夠給予什么的追問，而這種追問只能再回到藝術活動中去探究，因為藝術活動是藝術的基本的和原初的起點。
如果我們以藝術活動作為藝術的意義問題的起點，那么我們又如何來描述藝術活動呢？人的活動紛繁復雜，究竟那些屬于藝術活動？面對這些問題，我們又會變得困惑。但是，我們先驗地認為人就是一個活動的主體的話，那么藝術活動也就是人的所有活動中的一種，這種活動的特殊性在于，它是一種再造另一世界的活動，它是一種心靈構筑意義的活動。
首先，人的活動的特殊性，用馬克思的話來說，就是創造“第二自然”的活動，活動本身是自然向人生成的過程，馬克思在這里看到了人和自然的關系問題，但人的活動不僅僅體現為人和自然之間的活動，人也不僅僅是使自然向著他自己，他的活動的內涵應該更廣闊，馬克思這里所說的創造“第二自然”的觀點卻為我們提供了思路。由此可見，人的活動具有某種創造性，這種創造性就體現為人對另一世界的探視的努力，在這種探視中，他不是還原現存世界，而是力圖去開啟和敞亮可能的世界，這種可能的世界只能是藝術世界。不管是藝術制作還是藝術接受活動，都存在著這樣一種可能。所以，不管怎樣，藝術活動是一個使我們的世界“陌生化”的活動，這是一個極為樸素的事實，但這正是我們思考藝術的真正出發點。正是在這種制造陌生事物的活動中，我們在不斷地超越，超越現存世界有和無的隔離，在心靈中出現了另一世界，這就是藝術世界。藝術世界是心靈不斷地展示自己的運動，藝術家、藝術作品、藝術接受都可以包含在這個心靈的運動之中。藝術活動的本意就是心靈自我改造的意義，面對一件非凡的藝術作品，我們感悟到的東西，絕對不是現有的知識告訴我們的，或是藝術理論告訴我們的應該是什么的東西，而是對我們心靈的改造；藝術作品也不是一個常規的現實存在的物，它絕對不是知識的對象，而是一個開啟我們的世界面向心靈的物，藝術作品的本意是激蕩起我們的感受，是藝術作品驅使著我們，而不是我們審視藝術；所以，真正偉大的藝術家以及他的作品，應該就是不斷地刺激著我們的感覺，使我們進入到“我—藝術”的世界中，使之在思考中感受，在感受中思考，藝術就是著力于激發塑造新的心情，新的感受方式，是藝術的方式在制造著我們感覺的方式，而不是我們在不斷地規定著藝術的方式。
二十世紀形式主義學派的代表什克洛夫斯基認為：“增強感受的難度與時延的延宕藝術，是藝術成其為藝術的主要手段。”的確，恰當地使用延宕藝術，在豐富人物形象，展示人物心靈，拓展生活層面諸方面都起著至關重要的作用，高中語文教材中有幾篇成功地運用了延宕藝術的課文，現淺析如下，與大家共賞。
一、豐富人物形象——《獵戶》的延宕藝術
“秋收，秋耕，秋種，都要忙完了。正是大好的打獵季節，我們到紅石崖去采訪打豹英雄董昆。”
《獵戶》開篇就一語破的點出了作品的表現對象。可是，接下去，作品卻沒有順勢而下，向你介紹這位頗富傳奇色彩的英雄。
最先出場的是作者記憶中的家鄉的尚二叔。他是一個老獵戶，深深留在作者腦海中的是尚二叔的那桿長筒獵槍，那老的發紫的藥葫蘆，那滿屋子五彩斑斕的野雞、水鴨、大雁的羽毛，還有炕上鋪著的老狼皮。
接著出場的依然不是董昆，而是人們傳誦中的“百中老人”，他七十三歲了，耳不聾，眼不花，爬山越嶺，健步如飛，夜里能百步之外打香火，百發百中。他是一個標準的獵戶。
紅石崖到了，可董昆依然沒有出場，作者讓我們看到的只是董昆的打獵成果，聽到的是林場場長的一套打獵經。
第二天，作者要離開紅石崖了，董昆這才出現在人們的面前。作者描繪了他強壯的身軀，射人的目光，悲慘的身世，勇敢的獵事和崇高的思想境界：野獸也好，強盜也好，只要害人，不管是狼，是豹，還是紙老虎，我們統統包打。真可謂“千呼萬喚始出來”。
文章不是直接講述與董昆相見，而是從頭一天寫起，從家鄉的尚二叔寫起，有意延緩主體事件的敘事進程，廣泛展示了獵人們的生活，讓讀者具體感受了獵人們的豪情，真切領略了獵人們的機智和勇敢。董昆是他們中的一員，文章落筆不在董昆，可又有哪一筆不是在寫董昆？不過，董昆又確有和他們不一樣的地方，他是一個時代新人，他“包打”一切害人的東西。文章匠心獨運的地方正是在這里，與尚二叔、百中老人同而不同，相輔相成，使董昆形象豐滿又個性鮮明，這正是延宕的妙處。
二、展示人物心靈——《守財奴》的延宕藝術
請看巴爾扎克《守財奴》一文中“簽字”一節。
為了奪取女兒歐也妮對母親財產的繼承權，葛朗臺老頭子在“全家戴孝”的當天晚上，就迫不及待地召來了公證人克羅旭。歐也妮只需知道“簽字要簽在哪兒”，如此簡單，可巴爾扎克的敘述卻“費盡周折”。
晚飯后，“飯桌收拾完了，門都關嚴了”，葛朗臺開始了他的表演，第一步，他先是大事化小，告訴女兒：
“好孩子，……咱們中可有些小小的事得辦一辦。”
第二步，歐也妮因為母親新喪，意欲延期辦理簽字手續，老頭子急忙說：
“小乖乖，我總不能讓事情擱在那兒牽腸掛肚，你總不至于要我受罪吧？”
第三步，女兒問父親，“你要什么？”狡猾的老箍桶匠馬上矢口否認：
“乖乖，這可不關我的事，——克羅旭，你告訴他吧。”
第四步，當公證人真的要講出老頭子的意圖的時候，老頭子又立刻打斷了他的話，阻止克羅旭繼續說下去。
第五步，女兒終于不耐煩了：
“把文書給我，告訴我簽字應簽在哪兒。”
這時候，老箍桶匠的“眼光從文書轉到女兒，又從女兒轉到文書，緊張的腦門上盡是汗，一刻也不停地抹著。”
女兒終于簽了字。
與其說作者是在延緩著一個簽字過程，不如說作品是在放大著一個骯臟的靈魂：為了金子，他撒謊、行騙、玩弄手段、不顧廉恥，即使對自己的女兒也不例外，一個“看見金子，占有金子”的執著狂、守財奴的卑劣心靈，就這樣在敘事過程的刻意延緩中，得到了全面展示。文章的批判力度，也在刻意延緩中得到了加深。
三、拓展生活層面——《警察與贊美詩》的延宕藝術
《警察與贊美詩》開頭寫道：
冬天到了，主人公蘇比想以故意犯罪的方法進監獄度過寒冬。這個計劃雖出人意料之外，可想來又簡單易行，但是，看作品讀者卻“受盡折磨”，蘇比竟屢試不成。
他先是進一家豪華飯店，想白吃一頓后被投進監獄，結果因為衣衫破舊而被推出門外。后來又用石頭砸破了一家店鋪的玻璃廚窗，但警察卻認為他不是肇事者，而去追趕一個跑著趕車的人。
第三次嘗試，蘇比終于混進了一家不像樣子的飯館，按計劃館餐一頓后，他聲明自己無錢可付，他期待著侍者去喊警察，結果只是被結結實實地摔在人行道上。他又把自己扮成一個小流氓去調戲大街上的一個年輕女子，孰料那女子竟是風塵女子。
在一家劇院門口，蘇比大吵大鬧，他期待著以“擾亂治安”罪被捕，警察卻把他當成了因球賽勝利而狂歡的大學生。一家煙店里，他故意拿走了一位顧客的雨傘，沒想那傘竟是那位顧客偷來的……
延宕，使作品廣泛而深刻地展示了美國生活的各個側面，徹底暴露了這個“法制社會”的腐朽本質。蘇比一次次失望，使人們對這個社會的一切也愈加失望。人們終于清楚地看到：這里是一個是非顛倒、善惡混淆的世界，一個弱肉強食、勢力至上的世界，一個世風日下、男盜女的世界。這里，富人們窮奢極欲，花天酒地，窮人們饑寒交迫……不妨設想，假如作品讓蘇比一次嘗試便走進監獄，那將是何等乏味而淺薄啊？延宕，大大拓展了作品反映生活的廣度和深度。
四、強化感情——《雄關賦》的延宕藝術
《雄關賦》一開頭，作者深情感喟道：
“哦，好一座雄關，——山海關，這‘天下第一關’的山海關。”
贊美之情可謂溢于言表，哪一個讀者能不產生一睹為快的強烈愿望！可是接下去，作者卻宕開一筆，并不急于對山海關進行直接描繪，而是筆鋒一轉，先從“兒時的心中山海關”寫起：
兒時，作者心中的雄關形象，是“四爺”這個“關東客”給刻下的，這個雄關，有塞上雪，有關外離愁，有屈辱的陳跡……
解放后，作者雖然渴望看到山海關，但長期以來，依然是兒時的“模糊影子”，雖然作者去東歐曾經過山海關，但由于相隔遙遠，他看到的只是一片迷離。
這種從兒時就形成了的對雄關的久久的思念之情是如此強烈，不能不使讀者深受感染，從而強化了人們一睹雄關的強烈愿望。
經過對讀者思想感情這番預熱之后，作者才正式描寫眼前見到的雄關。先是仰望，再是遠眺，然后是站在雄關之上的翩翩聯想。
藝術——十分個性的自我表達行為。
設計——立足于解決人與物之間的關系問題。
人類生產和創造活動中，實用與美觀相結合，賦予物品物質與精神雙重作用，這是人類設計活動的一個基本持點。隨著生產的發展和社會的分工，設計與藝術開始分離走向互有區別的兩個獨立體系。但無論從設計或從藝術發展軌跡來看，設計與藝術始終是相互影響、相互滲透并相互作用的。
1、早期的設計與藝術
設計作為一種文化現象，它的變化反映著時代的物質生產和科學技術水平，也體現一定的社會意識形態的狀況，并與社會的政治經濟、文化、藝術等方面有密切的關系。原始時代大多數人工制品既是工藝品又是藝術品。這一時期的人工制品大都不是純粹從審美的動機出發的，著重考慮的是它在實際生活中的可用性。而后者是主要的，審美的要求只是滿足次要的欲望而已。中世紀文藝復興前的藝術可以說大都體現在建筑上，而這一時期最為突出的是教堂建筑，它綜合了諸類藝術。教堂建筑中所使用的彩繪玻璃、祭壇畫、壁畫、復制畫及佛像、雕刻、曼陀羅等，不僅是藝術的表現，同時也被當作一種符咒、信仰的對象。此時的藝術和工藝與生活之間始終是不可分離的一體。
文藝復興時期和中世紀之間在對待工藝和藝術的看法上存在著巨大的差異，而這種差異就是造成文藝復興的因素之一，雖然文藝復興時期的手工藝和它以前的手工藝之間在觀念上、勞動狀況和技術方法上有著一種強有力的延續，但在當時的手藝人身上已發生了深刻變化。一部分有才華的手藝人從為生活制作日用品和為建筑進行裝飾開始轉化到獨立的藝術品創作，使藝術與工藝漸漸分離。但文藝復興時期的藝術家大都還保留著手工藝人的痕跡。他們大都多才多藝，如文藝復興時期的偉人達芬奇，他不僅是一位畫家，還是一位雕刻家、建筑學家、氣象學家、物理學家、工藝師等。同一時代的米開朗基羅、丟勒等都屬于興趣廣泛知識淵博的全才。文藝復興時期藝術與工藝在分離的同時仍存在著千絲萬縷的聯系。
2、工業革命后藝術與設計狀況
在工業革命之后，出現了機器大生產、勞動分工和商業的發展，舊的生活方式開始瓦解。但人們并沒有對這一新的生活方式進行新的理性思考。商人們堅信產品的藝術性是某種可以從市場上買到并運用到工業上去的東西，把裝飾同設計等同起來，而不是將藝術與技術緊密結合形成一個有機整體。從19世紀以后，開始了手工藝轉向機械工藝生產日常用品。從此技術與藝術分離，轉向與科學結合，產品形成統一化、標準化、批量化。同時，大機器生產給藝術界帶來深遠的影響，滿足公眾需要的藝術家與自我孤立的藝術家之間出現鴻溝。藝術開始遠離生活，越走越遠。它脫離了被科學所占據的設計領域，形成一個純粹精神的領域。
大規模的工業生產創造了繁榮的經濟。許多家用產品往往不惜損害產品的使用功能，借助新古典主義或折衷主義的風格來附庸風雅，并提高身價，這是藝術與設計一次不成功的滲透，但它激發了一些思想家和藝術家。19世紀下半時開始的工藝美術運動，試圖建立一種新的設計標準，提出了“美與技術結合”的原則。在“新藝術”設計運動中設計師力圖以從自然界中抽象出來的形式代替程式化的古典裝飾。
美國建筑師文丘里1966年提出的“建筑學中的復雜性和矛盾性所有因素都是雜交的而不是純粹的”，這些用以概括20世紀70一80年代后現代主義設計目標的辭藻，同樣可以用來說明1830一1914年問藝術與設計的特點。19世紀以美學方式來影響工業的發展是設計改革的一個理想。來自相近專業的人士如建筑師、美術家們試圖用自己的觀念來影響和引導產品的美學和消費者的情趣。不少人相信藝術的價值。他們基于藝術上的等級觀念，認為如果高級的純藝術繁榮起來，較低級的實用藝術也就會隨之發展起來。在英國的藝術與產業報告中得出的結論：拯救英國工業未來的唯一機會就是向人們灌輸對藝術的熱愛。1900年由于科學技術的發展，以頌揚機器及其產品強調幾何構圖特征的未來主義風格派和構成主義等現代藝術流派興起。以柯布西埃、格羅皮烏斯等人為代表的現代設計先驅開始探索新的設計道路以適應現代社會對設計的要求，于是奠定了現代工業設計的基礎。
20世紀初，設計在向標準化與合理化發展的同時，歐洲藝術運動也在蓬勃興起。這一時期的未來主義、表現主義、構成主義等都力圖定義在工業文明條件下美學的形式與功能。這兩種發展乍看并無直接聯系，但兩者所用的術語和概念都有驚人的相似。工業設計與藝術在很多方面已走到了一起。“為藝術而藝術”的信條受到廣泛的抨擊。強調藝術的社會作用，渴求一種能體現飛速變化的外部世界精神實質的理想形式——機器美學應運而生。先前不登大雅之堂的工業產品成了繪畫、雕塑的主題。由此而產生的視覺語言對工業設計產生了重大影響，使設計逐漸擺脫了古典藝術的禁錮而體現出工業產品自身的特色。這一時期的立體主義、未來主義、表現主義等都對現代設計的發展起了推動作用。藝術賦于它們自身的合理性，人們不再把工業設計視為一種必須加以控制的粗魯力量，而是作為理想世界的港口。允許機器表現它自己的形式和想象力，而不必在它們身上強加一件古典外衣，現代藝術對于工業產品形式的推祟改變了傳統美學觀念。它通過將工業的形式與其內涵相分離，從而建立了一種與工業讓會相契合的新美學，為現代工業設計發展鋪平了道路。
20世紀初的現代繪畫和雕刻為工業設計提供了觀念和理論。而工業設計又為現代繪畫和雕刻提供了實踐的場所。這種成功的合作改變了人類的生存環境和生活方式。一幢幢高聳云端的幾何形建筑物、簡潔而實用的家具和各種生活用具都是現代藝術和現代設計的共同創造。但現代藝術與現代工業設計的結合就象一次回光返照，當它們共同將產業革命推向高峰后便迅速分手。其原因：
(1)隨著產業革命的發展，各地紛紛設立美術學校。繪畫和雕刻脫離舊有為了建筑或裝飾服務的功能，成為純粹美術專用名詞。從此純粹美術開始脫離現實狀況，只在精神領域中尋找靈感。
(2)在生活不富裕狀況下，人們不求高品位的藝術。需要的是廉價物品。從而注重生產速度及數量增長的工業技術，舍棄物體本身的精神性，形成藝術與技術的分離。特別是后階段工業設計領域中功能主義的發展，加速了這種分離。
(3)建筑設計和工業設計對裝飾的放逐，實際上也就是對藝術的放逐。
(4)工業文明本身就是一個將完整世界拆開的以各種專業分工為基礎的文明。每個人都以精通一行的專家為榮。“隔行如隔山”，因而工業文明時期藝術與設計各司其職是當時一個趨勢。
3、建立設計與藝術的新聯盟
設計與藝術之間，從一開始就有一座相銜互濟的橋梁。隨著社會的高速發展、邊沿學科的滲透、科學化程度的普及與提高，它們的關系越來越密切，任何真正的富有創造性的產品設計都必然滲透、交織和表現著美。因此，設計中的審美、直覺和想象等思維持征都孕育著強大的藝術感染力。設計與藝術不但不是互相排斥，而是互相滲透、互相補充及互相啟發的。我們細心地觀察，就會發現任何工業產品的設計與運用過程，實際上都是按照美的規律去勾劃、去造型。沒有對藝術的深刻認識，純公式化的設計開發產品是不會成為真正有創造力和感染力的產品設計的。設計創造中充滿了藝術的美感和想象力，而藝術創造同樣地受到工業設計發展的制約與影響。設計對藝術創造作用和影響不僅是局部的、個別的、具體化的，而且是宏觀的、整體的、廣博的。
